Hoy os presentamos un estupendo tutorial para el procesado de las estrellas, gracias al usuario JavierLT, que ha compartido con todos nosotros su técnica. Como muestra de lo que puede llegar a hacerse, os dejamos el “antes y después” de la foto que subía al foro de MMM – Fotografía Digital de Paisajes.

El tutorial en formato PDF os lo podéis descargar desde el siguiente enlace: Como está hecha… La Pared y la Luna

Publicado por Adrián Mateos (mdaf)

Dinfunde

Recuperamos un viejo post de nuestro foro de Consultas Técnicas -incluido en la selección del Curso Caborian de Técnica Fotográfica- por un tema que sigue generando preguntas periódicamente. Podéis ver las respuestas al post aquí.

En los últimos tiempos varios post han tratado el tema del tamaño de las fotografías, en algo que parece que genera muchas dudas.

Las fotografías digitales como tales son conjuntos de números (datos, en filas y columnas y en tres capas RGB) y alguna coletilla acerca de dónde provienen (metadatos EXIF). Y como conjuntos de números las fotografías digitales NO TIENEN RESOLUCIÓN, si entendemos por ésta a un determinado valor en píxels o puntos por pulgada o milímetro. Únicamente sabemos cuántas filas y columnas de datos. En una Nikon D40, por ejemplo, 3006 x 2000.

Los archivos además tienen profundidad de color, el número de tonos intermedios entre el más oscuro y el más claro en las tres capas RGB. 256 tonos en 8bits (JPG), 4096 tonos en 12bits (RAW) y 65536 en 16 bits (TIFF). Photoshop, cuando trabajamos en 16 bits, sigue mostrándonos por sencillez en el cuentagotas una escala que va sólo de 0 a 255, pero eso no quiere decir que tengamos solo esos tonos.

Cuando se pasan a papel las fotografías, por el procedimiento que sea, el resultado SI TIENE RESOLUCION, y esta no es otra que la del dispositivo que las ha hecho. Cada dispositivo, impresora, minilab o lo que sea tiene la suya propia. Vamos, que cada uno es capaz de pintar más o menos puntitos por pulgada o por centímetro. En general los mejores dispositivos producen resoluciones más altas, y se considera que alrededor de 250 por pulgada, o mejor, 100 por centímetro, para arriba, es una buena calidad de impresión. Lo mismo sucede cuando vemos las fotografías en cualquier pantalla, que tendrán una cierta densidad de píxeles.

Si un minilab, con una resolución de salida de 100 puntos por centímetro (lo más habitual), imprime mi archivo de 3000×2000 puntos, el resultado es sencillo, dividiendo sale 30×20 centímetros.

¿Eso quiere decir que no puedo imprimir las fotos de otro tamaño? NO, pero en ese caso, y antes de imprimir tendrá que cambiar el tamaño del archivo, haciendo que tenga más o menos filas y columnas. El problema es que las maquinitas normales suelen hacer esto peor que el Photoshop, y por eso es mejor hacerlo en casa antes de llevarlas.

¿Cómo se cambia el tamaño (número de filas y columnas) de un archivo? INTERPOLANDO. Interpolar es tomar valores intermedios, dicho así a lo bruto. El ejemplo más sencillo sería hacer un archivo el doble de ancho y alto, pasar a 6012×4000 píxels. En el método de interpolación lineal, los píxeles nuevos, en el hueco que queda al hacer el doble, se rellenan haciendo un promedio de los vecinos. El de la derecha, izquierda, arriba y abajo. Si en la capa roja teníamos 200,202,200,202, pues el promedio es 201. Si la cuenta tiene decimales, perdemos información, pero mucha menos en 16bits, por eso siempre es mejor interpolar en 16bits. Si queremos un archivo la mitad de ancho y alto, de cada cuatro píxels hará solo uno, haciendo de nuevo un promedio. Y de nuevo perdiendo información.

No hay que olvidar que al ampliar esta información nos la estamos inventado, no es real, lo que sale en el CSI es imposible, todos lo sabemos. En el método de interpolación bicúbica, en lugar de 4 vecinos, se consideran 8. Eso garantiza transiciones más suaves en los tonos de color. En un ejemplo exagerado una mala transición provoca el banding, pixelado, o como lo llaméis. La bicúbica más suavizada lo que hace es interpolar y luego desenfocar suavemente, y la bicúbica más enfocada, enfoca suavemente después. Genuine Fractals considera muchos más vecinos, y busca patrones y formas para ‘inventarse’ los píxels de mejor manera. Esto es muy evidente por ejemplo si pintamos un círculo donde se vean los píxels y lo ampliamos con los dos métodos. GF lo hace mejor.

El cuadro de diálogo de Photoshop lleva al equívoco con lo que hemos visto porque habla del tamaño de la imagen, en cm o pulgadas, cuando en realidad quedamos en que la fotografía no tenía ¿no?. Ese es el tamaño de salida en el SUPUESTO de que la vayamos a pasar a papel. Y en ese supuesto, las tres cosas están relacionadas. Si queremos una fotografía más grande, 60×40, manteniendo una resolución de 100 puntos por centímetro, PS deberá interpolar hasta 6000×4000 píxels. Si le llevamos un archivo de 6000×4000 para sacar a 60×40 no tendrá que interpolar el maquinillo ¡bien!.

Y ¿qué pasa en la pantalla? Pues lo mismo. Cuando en PS vemos las cosas al 100%, cada punto de la pantalla es un punto del archivo digital. Para arriba o para abajo, a interpolar se ha dicho. El interfaz gráfico lo hace por nosotros y no muy bien que digamos. Al 66% muchas veces vemos en pantalla a veces dientes de sierra y otros artefactos que en realidad no existen. Lo mismo sucede cuando un navegador redimensiona una foto para que quepa en la pantalla. La mejor visión es al 100% y por eso, cuando mandamos una foto de 800pix y el foro la redimensiona a 704 en la pantalla, aparecen esas cosas raras.

¿y entonces, que es eso del tramado Bayer? Pues que por ejemplo en una 350D de 8 mpix, solo hay 2mpix sensibles al rojo, 2mpix sensibles al azul y 4mpix sensibles al verde. Y entonces, ¿de donde sale el resto? De interpolar. El archivo RAW no tiene tres capas de color, solo una, con los píxeles rojos, verdes y azules. Ese es un motivo para conservar los RAW. Puede que aparezca otro revelador que interpole mejor que los de ahora, al igual que GF lo hace mejor que PS….

No sé si es demasiado rollo ni si soy muy didáctico o no, pero ahí queda esto…
¡el tamaño importa!

Por Félix Sánchez-Tembleque (wiggin)

Dinfunde

Hace cosa de un año os contamos cómo utilizar filtros de densidad neutra para largas exposiciones. También pueden ser necesarios si queremos utilizar en condiciones de luz intensa objetivos muy luminosos a su máxima apertura para tener poca profundidad de campo: La regla clásica del sunny f16 se transformaría en una velocidad de disparo equivalente por encima de 1/10000 para ISO100 y f:1.4

Una de las opciones más prácticas, que no la más económica, es usar filtros de densidad variable en los que podemos modificar los pasos de exposición con un simple giro del anillo exterior. Se puede enfocar en el ajuste mínimo y luego girarlo al deseado.

A los modelos de Singh Ray y de Light Craft ahora podemos añadir el modelo NDX presentado por Kenko-Tokina, que puede variarse entre 1.3 y 10 pasos de corte de luz. Como en los otros productos su uso esporádico no justifica la inversión: alrededor de 500€ en diámetro 77mm y 600€ el de 82.

Visto en Dpreview | Por Félix Sánchez-Tembleque (wiggin)

Dinfunde

Por Carles Costa Parareda (El Carles)

En foto deportiva, el planteamiento previo a la toma, la mayoría de veces, es esencial para que el resultado que después obtengamos, se ajuste a lo que pretendíamos conseguir. Obviamente, la espectacularidad de la toma se verá limitada por las características del propio deporte, y, o, problemas de luz, imposibilidad de acceso a puntos de vista idóneos, limitaciones del equipo, etc.

Lo importante, es que estemos convencidos de que el resultado obtenido es el mejor posible, fruto de haber maximizado los recursos  de que disponíamos. A continuación, 4 ejemplos que ilustran mi manera de actuar ante otras tantas situaciones parecidas, pero con condicionantes distintos.

Tiro al plato.

 1/350 + f/8 + ISO 640

Descripción de la situación:

 Zona de tiradores bajo tejado, de manera que la sombra los cubría, dirección a la que disparaban cara sur, con lo que en un día soleado (como fue el caso por la mañana) el contraste entre tiradores y fondo, era muy grande, uso del flash prohibido.

Afortunadamente, y perpendicular a los campos de tiro, (5 en total) unos setos separaban las zonas. ¿Afortunadamente? Sí, porque en el transcurso del día, al desplazarse el sol, el seto de la izquierda llegaría a quedar en la sombra.

El de la derecha, a primeras horas, ya lo estaba, pero no era tan interesante estéticamente, porque la mayoría de tiradores eran diestros; o sea escopeta a la derecha……… y mejor que se viera el arma entera.

 El momento clave de la mañana, fue el que se muestra; en que el seto, justo dejaba de iluminarse por la acción del sol, pero alguna de las ramas que sobresalían, recibían su incidencia, y el fondo no quedaba en la oscuridad completa.  

En resumen: 
Fondo en penumbra, que igualaba la exposición con la del tirador, también en sombra; pero el fogonazo de la detonación del cartucho y los perdigones expulsados, quedaban expuestos a la luz solar, haciéndose su presencia mucho más evidente, por efecto del contraste debido a la diferencia de iluminación, y a la exposición, fijada para las zonas en sombra.

 La visión de los perdigones por el ojo humano, pasa desapercibida, y pensaba que sin flashes de alta velocidad, sería imposible captar ese momento.

La velocidad de salida de los perdigones, oscila entre los 1400 y 1500 Km/hora  y para poder sincronizar ese instante con la del disparo de la cámara, me sirvió de gran ayuda el elemento negro que aparece abajo, que es esencial en este deporte, ya que a través de él, la voz que lanza el tirador  activa el mecanismo de lanzamiento del plato.

Armas históricas.

1/750 + f/8 + ISO 800

Recopilando información, vi que se trataba de una competición en que se usaban armas (hay diferentes modalidades) que tienen en común que se cargan por delante del cañón (de avancarga) con pólvora negra, para seguidamente introducir el proyectil, que se aprieta hasta la recámara con una baqueta; vamos, como en las películas de Daniel Boone.  

En la zona cercana al gatillo, se coloca el fulminante, que será el encargado de encender la pólvora de la recámara (de los diferentes sistemas, el más empleado es el de percusión) que impulsará el proyectil hacia la diana.

Pregunta ¿y a mí que me importa esto, si lo que quiero es hacer fotos y no, disparar armas?

Sí me importa, porque este tipo de pólvora produce una deflagración mucho más vistosa y espectacular que la pólvora blanca, utilizada en las armas modernas, y aparte (por construcción) el instante decisivo en el disparo, no es único, sino doble; el debido a la explosión del fulminante, y a la de detonación de la pólvora de la recámara con efectos visuales a la salida del cañón.

Consideraciones técnicas: 

Cada participante disparaba desde un recinto cerrado de unos 2 metros y pico de alto por 1,5 de ancho, aproximadamente, y abertura delantera a un patio exterior con visión a las dianas.

En su parte trasera se encontraba el edificio cerrado, con poca luz, y con una mampara de cristal que separaba la zona de tiradores de la del público, ya que únicamente los jueces podían situarse delante de ella.

Ante ese contraste tan alto entre primer término y fondo, y evidentemente sin poder utilizar el flash, opté por exponer manualmente a la zona del fondo; hacerlo para el primer término, hubiera significado, ver la espalda de un señor, señora, sobre una gran mancha blanca.   

Se optó por un diafragma bastante cerrado, a costa de subir ISO, para mantener una velocidad de obturación alta junto a una profundidad de campo relativamente grande.

Como era imposible predecir el momento del disparo para captar uno de los dos fogonazos, se optó por la ráfaga rápida y la grabación en tarjeta en formato JPEG. No es algo que me guste, pero la única manera de que a fuerza de ir llenando la tarjeta, suene la flauta.  

Un cálculo rápido me llevó a esta conclusión: 8 i/s (en mi 7D) en unos ficheros de unos 6Mb implicaría ir llenando la tarjeta a razón de 48 Mb/s; y como la que tenía puesta es una Sandisk de 60Mb/s eso me permitía una ráfaga continua y sin interrupciones, y realmente así fue  (nunca antes había hecho tantas fotos en 3 horas, unas 3000)

1/750 + f/8 + ISO 800

A pesar de los inconvenientes de dicha mampara de cristal, como pérdida parcial de nitidez y aparición de reflejos, sin dicha separación, el disparo en continuo se me hubiera prohibido. Un deporte de concentración es incompatible con un clack clack clack reiterado, y a tan corta distancia.

Y para finalizar, obvia decir que, el enfoque estaba bloqueado en Manual, ya que se trataba de un sujeto prácticamente inmóvil.

Carabina de aire.

1/60 + f/2,8 + ISO 400

Cuando la acción es prácticamente nula, intento plasmar en la imagen todos los elementos que forman parte esencial en su desarrollo, en este caso el tirador, la escopeta, la diana, y el monitor donde se visualiza la buena o mala puntería del deportista.

La dificultad principal estriba en mostrar lo anteriormente dicho, de manera que el encuadre no presente zonas excesivamente vacías, por ello, la diana visualizada, no corresponde a la del tirador, sino a la de su rival de más a la izquierda, porque si hubiera hecho salir la diana del de la fotografía, hubiera sido una vista en la que hubiera predominado la espalda del policía, con un resultado poco agradable.

Tiro con pistola.

1/3000 + f/5,6 + ISO 1600

Por último, una imagen preparada, imposible en condiciones normales, sin la connivencia del deportista y del club, por motivos lógicos de seguridad.

A pesar de que la ubicación normal de los tiradores está dentro de una de las cabinas que se ven en el fondo, creí conveniente desplazarnos hacia adelante, para que el sol incidiera sobre los elementos principales de la acción y resaltarlos, exponiendo para la zona de luces altas.

Para compensar el contraluz, y tras un primer intento de situar el flash detrás del protagonista, se optó por colocarlo a la izquierda, y opuesto a la luz solar con el resultado que se aprecia.

Se eligió una velocidad de obturación de 1/3000 para conseguir nitidez en la salida de la vaina, (y un diafragma de f/5,6 para extender la profundidad de campo a la totalidad del primer término), que así y todo, en la práctica se reveló justa.

Sincronizar el flash, sin cable, a esa velocidad de obturación solo es posible con sistemas de radio modernos, en este caso, los Pocket-Wizard TTL.

Aunque estos dispositivos permiten la sincronización de flash en modo TTL a velocidades de obturación altas, opté por utilizar la potencia en manual, ya que la distancia flash-sujeto era fija, y en estas condiciones es mejor eso, que condicionar la potencia “ideal” a un automatismo que puede fallar. En este caso se procuró una ligera sub-exposición del flash con respecto a la que daba el sol.

Dinfunde

Nuestro compañero Alejiga nos muestra una vez más como trabaja en la naturaleza, en este caso contándonos detalles acerca de la utilización de disparadores remotos para flashes TTL. Os dejamos con su explicación y un ejemplo de lo que puede conseguirse:

En este artículo os quiero mostrar unas de mis mayores inquietudes que tengo respecto a iluminar a las aves con flashes a plena luz del día con aperturas grandes. Desde que adquirí el Canon 300 f2.8 el tirar a aperturas cerradas pasó a la historia, todo cambia en la fotografía cuando disparamos a diafragmas abiertos, cuando no tiramos con flashes es todo una maravilla pero cuando nos ponemos a dispara con luz artificial todo cambia muchísimo.

Si utilizamos disparadores convencionales la velocidad de sincronización es de 1/250 el cual en un día soleado a iso 100 y f4 tenemos como mínimo 1/1000 de velocidad. Después de mucho mirar e investigar me arriesgué a comprar dichos disparadores que calidad precio son bastante razonables (175€), hice pruebas con una Canon 7D y una 5D MKII con los flashes Canon 580EXII, 430EXII y en las dos el funcionamiento es bastante bueno, sincroniza en alta velocidad hasta 1/8000 sin que la cortinilla nos afecte y así puedo tirar a distancia y plena luz del día para rellenar aquellas sombras no deseadas.

Desde el disparador podemos pasar de ETTL a Manual sin ningún problema e incluso escalar la potencia de nuestros flashes. Posee 4 canales (A,B,C y D) y en cada canal podemos poner cuantos flashes queramos y manejarlos del modo que nos haga falta en ese momento sin tener que tocar ningún flash. En resumen, hasta el día de hoy mi puntuación es de un 10 sin duda alguna, os dejo una imagen donde se ven dos mochuelos al atardecer y veréis lo bien que maneja el ETTL incluso en luces complicadas. Espero que os sea útil esta información.

Texto y fotos: Alejandro Jiménez (Alejiga)

Publicado por Adrián Mateos (mdaf)

Dinfunde

Experimentando con gotas de agua, decidí rociar sobre superficies planas transparentes y observar objetos a través de ellas como cuando miramos a través de una ventana salpicada con gotas de lluvia, pero en este caso utilizando la fotografía de aproximación con objetivo macro, para acercarme más a la imagen distorsionada de un objeto, que estando detrás, aparece en cada gota de forma invertida y se multiplica con una dispersión aleatoria de tamaños y situaciones que son consecuencia del azar en cada rociada. Busco que simultáneamente en la misma imagen global, se siga percibiendo el objeto como “fondo” de forma desenfocada y estática, detrás de estas gotas enfocadas donde el mismo aparece distorsionado y transmitiendo una impresión dinámica, de movimiento. Todo esto da como resultado una imagen con un sistema complejo y caótico que pretende transmitir sensaciones espaciales.

Las gotas de agua cuando mantienen una forma semiesférica, viene a ser como pequeños objetivos ojo de pez, y distorsionan la imagen como tales, pero en el momento en que deformamos cada gota, las distorsiones se acentúan exageradamente. En el caso de esta foto, buscando mayor dinamismo en esas distorsiones, deformé las gotas volviendo a rociar más agua encima de ellas, con aspersiones más gruesas.

La iluminación es natural pero en interior. Se cuenta con iluminación cenital indirecta arriba a la izquierda e iluminación lateral a la derecha que proviene de un ventanal, la cual se tamiza con una lámina de plástico traslúcido. Al lado izquierdo del objeto se coloca una lámina de plástico blanca brillante que hace de reflector. La base y el fondo están formados por una única superficie flexible, plástica, mate y de color blanco que es un hule de los que se utilizan para proteger mesas. Tal como vemos en la siguiente imagen.

Se ha utilizado para esta foto un trozo de chapa perforada de acero inoxidable, que viene a ser la protagonista, delante de ella, a unos 10 cm coloco en vertical la lámina de plástico transparente en la que rocío las gotas, que en este caso está sujeta desde el techo con cuerda y pinza. Utilizo un objetivo macro 60mm, coloco el enfoque en manual, cierro mucho el diafragma, en este caso un f25, enfoco las gotas, utilizo el trípode, modo retardado de exposición y disparador inalámbrico. Cuando nos acercamos a las gotas ya podemos comenzar a observar esas distorsiones, producidas por la refracción y la forma de cada gota.

La imagen está tomada en archivo raw, y lleva poco proceso de edición, simplemente aumentar un poco el contraste y desaturado de aprox. un 80% en el mismo procesado del raw.

Aquí se pueden ver otros ejemplos donde he buscado mantener la forma semiesférica de las gotas de forma más regular pero con variedad de tamaños, en este caso buscando el juego del cambio de situación de un objeto esférico dentro de cada gota enfocada y finalmente en la edición un giro de 180º:

Por Jose Laíño

Dinfunde

por Gonzalo Gómez Gómara (Chapi)

En esta ocasión traemos a la portada de nuestra web el excelente trabajo que nuestro compañero Javier Guijarro ha realizado por encargo de Aena y el Ministerio de Fomento sobre el Aeropuerto de Alicante. Consideramos que es un trabajo muy interesante por su profesionalidad y por ser un video-timelapse bastante distinto a los trabajos más “preciosistas” que estamos acostumbrados a ver.

Pinche aquí para ver el vídeo

(c) AENA / Producciona S.L. / Javier Guijarro

El mismo nos cuenta la experiencia, esperamos que os guste y que en nuestro foro de video DSLR nos pueda resolver las dudas que tengamos.

El proyecto se gestó desde Madrid, por encargo de Aena y el Ministerio de Fomento. La productora (Producciona), vio mis trabajos en Vimeo, donde tenía expuestos mis timelapses y al parecer, le gustaron, por lo que se pusieron en contacto conmigo. Me explicaron el tipo de trabajo que tendría que realizar dentro de un video sobre el Aeropuerto de Alicante. Mi trabajo iba a consistir en buscar la mejor luz y darle un aspecto emocional, lo que sería la base del guión. Este se editó conforme a los timelapses, por el peso visual de los mismos.

Fueron tres días de trabajo. El primero de ellos, estuve con el equipo de grabación y el director de fotografía, viendo los planos y como la luz incidía en los elementos arquitectónicos de las instalaciones. Al tener tanta luz entrando por todos los ángulos, tenía que tener muy claro el recorrido del sol. Fui anotando las horas y dónde era mejor la luz y los tiempos que necesitaba para cada plano. No se puede improvisar ya que hay poco tiempo y hay muchos escenarios por cubrir. También me dejaron mucha libertad a la hora de elegir los planos.

Este es el material que he usado para todo el trabajo:

- 5D Mark II con un 24mm f:1.4 L II, 17-40mm f:4 L, 70-200mm f: 2,8 L, todos ellos de Canon.
- Panasonic GH 2 con un 7-14mm f:4
- tres intervalómetros, para controlar la secuencia de disparos
- dos trípodes, uno de ellos de carbono
- un superclamp, para poder sujetar la cámara a sitios donde el trípode no tiene cabida
- filtros ND
- baterías (muchas…)
- Otros accesorios más específicos fueron un trípode motorizado y un slider también motorizado, para darle movimiento a los planos. No siempre se pueden utilizar, pues hay que programarlos y lleva más tiempo que un plano normal.

Al final de los tres días tenía unas 40.000 imágenes, en formato RAW, ya que es importante poder ajustar el balance de blancos y por supuesto por la calidad del archivo, hay que ser conscientes de que lo que obtienes son fotografías, que nos valen para otros usos.

Para generar los planos HDR, realizaba tres disparos en autobracketing cada cuatro segundos (aprox.) sobre todo por el rango dinámico de algunas escenas, y para su edición utilicé el programa Photomatix 4. Los ajustes utilizados fueron el Tone Compressor que es el que producen el aspecto más natural.

Después se importan a Lightroom 3, para realizar un ajuste en el color, enfoque y demás ajustes, se van creando carpetas con las imágenes importadas en una resolución media y en formato Tiff a 16 Bits y se pueden montar en Afters Efects, QuickTime Player, Premerie, Lightroom, Final Cut, etc… En casi cualquier programa de edición, se puede montar la secuencia y como podéis ver se le puede dar tanto un uso aficionado como profesional, y siempre utilizando las reglas de la fotografía para aplicarlas a los timelapses.

Dinfunde

Reproducimos la petición de la Asociación Fotográfica de Toledo

El próximo 18 de Junio, visto el éxito que tuvo la fotografía “Toledo como nunca ha sido fotografiado”, queremos repetir la hazaña. Esta vez esperamos duplicar la gente que participó y conseguir más de 100 personas que ayuden a iluminar con 10,000 destellos de flash, un bellísimo recorrido y poco conocido de la ciudad de Toledo.

Necesitamos la participación de todo aquel que disponga de un flash de mano y se comprometa a estar en esa fecha y seguir estrictamente las recomendaciones de la organización, para que todo salga correctamente y no se arruine el trabajo final.

Cuando emplazamos a cada uno en su sitio, tenemos en cuenta la superficie que va a iluminar, su dirección, su nº de destellos, dónde y cuándo empieza y dónde y cuándo termina así como las zonas de solape. Por eso, necesitamos un compromiso absoluto y responsabilidad total. Si la persona prevista no está allí en ese momento, su zona se quedará negra y si hay dos en el mismo sitio y con la misma función se quedará sobreiluminada, o sea quemada. Peor aún: si el que va no tiene zona asignada o no conoce su función, podría deslumbrar a las cámaras y echará al traste el trabajo de meses.

Por esta razón, si se tienen serias dudas de poder realizarlo, o se está condicionado a alguna circunstancia, es mejor no apuntarse.

Si quieres participar escríbenos a info@afotoledo.com asunto “flasheadores” antes del 15 de abril y te informaremos de todos los detalles.

Dinfunde

Hace unos días, en el subforo de Deportes, nuestro compañero nuskas colgaba una estupenda fotografía realizada durante una competición de ciclismo en pista y ha tenido la amabilidad de explicarnos su técnica para conseguir fotos tan bonitas como la que acompaña el texto en las siguientes líneas:

La suerte, el factor sorpresa, está presente desde el principio. Debo empezar por aquí.

Como para cualquier fotografía, busco la mejor ubicación que puedo, la que mejor luz espero me vaya a dar teniendo siempre presente la acción, el lance deportivo que quiero captar.

Hace dos años, casi en estas fechas, asistí -en este mismo escenario- a mi anterior encuentro con el ciclismo en pista. Tenía ganas y llevaba algunas fotos en mi cabeza. Sabía por tanto qué me iba a encontrar. Como me gusta disfrutar fotografiando :silba:, enseguida bajé el ISO a 100, ajusté la velocidad a 1/13″, con el diafragma más abierto que permite el Canon 17-40 f/4. Llevaba también el 70-200 f/2.8 pero a 70mm se me quedaba algo largo. Quería ahora encuadres más abiertos, de grupo. Normalmente uso para estos barridos un filtro de densidad neutra 8x, aunque en esta ocasión la escasa luz no lo hacía necesario.

El óvalo del circuito, las dos peraltadas curvas son muy agradecidas, pues te permite –si el curso de la prueba es propicio- tener a un escapado con el grupo detrás, a un lado. Si no me equivoco, la de la foto corresponde con la prueba de eliminación, en la que cada dos vueltas se queda fuera el último corredor. En esta modalidad suele ser frecuente la agrupación del pelotón y que algún ciclista salte.

La circunstancia del azar es que ese momento se produzca en la curva en la que estás. Además, el gesto del escapado es de mayor tensión pues debe vencer la resistencia del aire por sí mismo

Volviendo a los ajustes de la cámara (Canon 7D), tengo puesto el autofoco continuo (AI Servo) y punto de enfoque desplazado a la derecha (como quiero sacar al grupo detrás, no dejo deliberadamente demasiado aire por delante, que sería lo adecuado para una toma individual). El zoom, a 40mm pues había pre-encuadrado desplazándome por la grada hasta encontrar la composición adecuada.

Lo demás, es seguir con el punto de enfoque activado y el pulgar en el botón de enfoque trasero desde que el ciclista cabecero empieza a tomar la curva, el dedo índice sobre el disparador y en el momento preciso apretar suavemente el disparador mientras continúas siguiendo la trayectoria del sujeto hasta que éste ya se va por la derecha. Esto creo que es importante, hacer el “swing” muy amplio, tanto antes como después. Contengo la respiración, pero con el cuerpo-brazos-manos relajados. Es… suavidad.

No suelo revisar las tomas. Prefiero hacerlo en casa, cuando me pongo a editarlas. Es este otro momento mezcla de ansiedad y de sorpresa. Borro muchas, muchas. Pero cuando el azar quiere, la satisfacción es grande…

Saludos y muy agradecido por la oportunidad de contar este ladrillo.

Publicado por Adrián Mateos (mdaf)

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Ya os hemos hablado en varias ocasiones de Syl Arena, el mayor experto en flashes canon.

Ahora ha publicado una serie de 4 articulos (en inglés pero muy visuales) al respecto en la pagina oficial de Canon CPN (Canon Profesional Network), en los que parte de los conceptos más sencillos y termina explicando las caracteristicas más complejas de las que son capaces estos modelos, como los disparos en TTL wireless, o el disparo a alta velocidad de sincronización (High-Speed Sync o HSS):

Parte 1: Modelos de flashes Canon, funciones y controles

Parte 2: La importancia de las sombras, luz de relleno y situar flashes fuera de la cámara

Parte 3: Modificando la luz del flash (incrementar la fuente de luz/ restringir el haz/ modificar el color)

Parte 4: Exprimiendo al máximo tu flash (High-Speed Sync (HSS) /uso de multiples flashes/ geles con efectos creativos/ destello estroboscópico)

Además queremos destacar que Syl ha elaborado recientemente el mejor (y casi único) libro para entener y dominar los flashes de Canon, el Speedliter’s Handbook con casi 400 páginas, de las que estos articulos son solo un aperitivo. Esencial para aquellos que usan flashes Canon.

Publicado por Chano Reus – Goldenblatt

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Aquí la foto

Aquí la explicación: http://www.comolahice.com/2011/01/se-alquila-cuarto-izquierda/

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Parametrización de las Funciones Personalizables del AF AI Servo de la Canon EOS-1D Mk IV

Nuestro compañero Juan Pedro Urdíroz (el mítico Ayrton) ha traducido la Guía de Ajustes del Sistema de Enfoque que hace unos meses se publicó en varios idiomas de la reciente Canon EOS-1D Mk IV.

En ella se repasan las funciones relacionadas con el sofisticado y potente sistema de enfoque de la cámara y se analizan las diversas opciones de parametrización para conseguir los mejores resultados en diferentes situaciones de disparo. El documento cubre también los aspectos de la calidad final de la imagen y la gestión del ruido cuando se utilizan los elevados niveles de ISO de que dispone esa cámara.

Imprescindible para los usuarios y poseedores de la Mk IV y altamente recomendable para usuarios de cámaras de la serie 1D.

En este enlace podéis descargar el documento

Dinfunde

El artículo que se puede leer a continuación es una traducción autorizada de la web Luminous Landscape que queremos agradecer a Michael Reichmann. Si estás pensando en comprarte un objetivo con una gran apertura, quizás te interese leer el texto.

Prólogo

Antes de entrar en materia en esta carta, algo de perspectiva de cómo se gestó.

Muchos lectores probablemente conocen DxO Labs y más concretamente su página DxO Mark.

A DxO le interesa concretamente medir los datos acerca de cámaras y lentes en bruto, en los archivos RAW. La web de DxO Mark es el primer sitio donde se pudo encontrar esta información.

Siempre he estado interesado en la minería de datos, y dada la gran cantidad de información que DxO ha medido, me preguntaba si se pueden extraer resultados interesantes de analizar de nuevas formas datos que ya existen.

Durante una reunión con algunos de algunos de los máximos ejecutivos de DxO en Photokina en septiembre, el tema salió y se hizo evidente que sí existen una serie de hechos interesantes y muy desconocidos que pueden ser obtenidos de esos datos. Sus máximos ejecutivos de marketing e ingeniería han sido muy amables al compartir esta información con nosotros. Ese es el origen de esta carta.

Esperamos continuar con esta relación con DxO y proveer periódicamente a nuestros lectores información interesante extraída de sus datos.

Definiciones

Antes de empezar con la carta, es muy importante que los lectores entiendan un par de definiciones: número F y número T (N. del T.: F-stop y T-stop en el original)

A muchos nos suenan familiares los números F en los objetivos. Como recordatorios, el número F es la distancia focal de la lente dividida por el diámetro de la apertura que deja pasar la luz a través de la misma.

Mientras que el número F está directamente relacionado con la cantidad de luz que una lente deja pasar al plano del sensor o película, diferentes lentes dejan pasar diferentes cantidades de luz a ese plano incluso si el número F es el mismo. ¿Por qué? Porque cada elemento de la luz absorbe una parte y refleja una cierta cantidad de luz, de modo que hay una cierta pérdida de luz a lo largo del camino que sigue atravesando la lente entera. Como podéis imaginaros, lentes muy complicadas con muchos elementos es probable que tengan mayores pérdidas de luz que lentes más simples, y lentes con recubrimientos muy buenos es probable que pierdan menos luz que otras con peor o ningún recubrimiento.

El problema es tan serio que la industria del cine adaptó un estándar diferente hace muchos años. Si uno mide la exposición perfecta con un fotómetro, y elige el número F adecuado, cuando use una lente zoom muy complicada es probable que subexponga la secuencia por las pérdidas de luz en la lente.

Por tanto la industria del cine comenzó a usar números T (de transmisión) en lugar de números F para los objetivos. El número T es el número F corregido con las pérdidas de luz de la lente. En otras palabras, representa fielmente la cantidad de luz que llega al sensor, y ajustando el número T para una  medida dada de luz produce la exposición correcta. Y también diferentes lentes ajustadas al mismo número T dejarán pasar exactamente la misma cantidad de luz al plano del sensor o la película.

Cuando leas los datos de la siguiente sección entenderás por qué quería se entendieran esas definiciones antes.

Los datos

Tal y como se dijo antes, DxO Labs ha proveído los datos de las figuras de abajo, y son datos basados en otros datos medidos y publicados en su web DxOMark.

El siguiente gráfico muestra la pérdida de luz EN EL SENSOR para una serie de diferentes cámaras Canon usando una lente f:1.2

La escala vertical está en valores de exposición EV. Un valor de 1EV representa una diferencia de un número T. Observa que hay una pérdida sustancial de luz en EN EL SENSOR.

Cuando se mira la estructura de un sensor CMOS, cada píxel es básicamente un tubo con el elemento sensible en el fondo. Si un rayo de luz que no es paralelo al tubo llega al fotosito, existen ciertas posibilidades de que el rayo de luz no llegue al fondo del tubo y por tanto lo llegue al elemento sensible. Por tanto la luz que llega en esa dirección se pierde. En el gráfico parece que cuando se usan lentes de gran apertura con cámaras Canon, hay una pérdida de luz sustancial en el sensor debida a este efecto. En otras palabras, los rayos de luz ‘marginales’ que llegan al sensor desde los bordes de esa gran apertura se pierden por completo.

El siguiente gráfico para Canon y Nikon a f:1.4 muestra que la pérdida de número T depende claramente de cada sensor.

Por tanto la siguiente pregunta es: si la pérdida de luz es tan importante, ¿por qué no hay una gran cantidad de fotógrafos quejándose por esa severa subexposición a grandes aperturas?

La respuesta está en el siguiente gráfico:

El gráfico muestra claramente cómo los fabricante ‘trucan’ el sistema incrementando el ISO sin que lo sepa el fotógrafo.
Personalmente, creo que esto lleva a una serie de cuestiones

1. Cuando elijo un determinado valor ISO, tengo razones para hacerlo. Me parece inaceptable que la cámara lo cambie sin mi conocimiento.

2. Si la cámara va a incrementar automáticamente el ISO debido a una pérdida importante de luz ¿tiene sentido comprar lentes con mayor apertura, más grandes, más pesadas y mucho más caras?

Uno podría comprar una lente con menor apertura e incrementar el ISO. Puesto que esas lentes pierden mucha menos luz en el sensor, los resultados podrían ser indistinguibles. De hecho, ni siquiera está claro si esas lentes producen una profundidad de campo más pequeña. Las medidas de DxO prueban que los rayos de luz de los bordes simplemente no llegan al sensor. El hecho en relación con la profundidad de campo es que esos rayos son los responsables de un imagen más desenfocada, y si se pierden, no solo no contribuyen a la intensidad de luz en el sensor sino que no desenfocan los planos de luz tal y como debería esperarse a grandes aperturas.

DxO está ahora mismo haciendo pruebas de foco para corroborar este argumento. Os mantendremos al día tan pronto como esos datos estén disponibles.

Resultado final: Debido a la complejidad del diseño y fabricación (sólo por esto se justifica el coste y peso) de lentes con grandes aperturas, uno podría concluir con mejores resultados con el mismo ISO y profundidad de campo reales usando lentes con una apertura más modesta.

3. Aunque que subir el ISO sin el conocimiento del fotógrafo es un truco elegante de ingeniería, debe ser confesado de manera completa y precisa a los clientes.

Conclusión

A la vista de lo publicado, apreciaríamos mucho los comentarios de los fabricantes, particularmente de las compañías grandes como Nikon, Canon, Sony, Leica, Panasonic, Pentax, etc.

Por favor, dénos respuestas que podamos compartir con nuestros lectores.

Muchas gracias

Mark Dubovoy. Octubre de 2010

Dinfunde

EDIT: you can see the picture in BIG here / EDITADO: podeis ver la foto en grande aqui

Our forum mate dani mac (Daniel Martin) showed us in this post the result of the night views of Toledo in which 50 people were coordinated to paint with light throughout the city.

Nuesto compañero del foro dani mac (Daniel Martin) nos mostró en este post los resultado de la panorámica nocturna de Toledo en la que se coordinó a 50 personas para pintar con luz toda la ciudad.

Daniel is the President of the Photographic Association of Toledo and have been kind enough to provide a detailed explanation of the project, as conceived and as carried out.

Do not miss it, it is very caborian:

Daniel es el Presidente de la Asociación Fotográfica de Toledo y han tenido la amabilidad de proporcionarnos una explicación detallada del proyecto, de como se gestó y como se llevó a cabo.

No os lo perdais, es muy caborian:

Text: Jose Maria Moreno.
Photo: Photographic Association of Toledo

The idea
It is very old and say that in all personal merit, but rather derived from the technique of multiple exposures to open chamber on display, which has been used regularly for a long time to illuminate “split” large dark spaces in a single exposure would have needed illumination means unattainable.

Well, that was the idea: to illuminate the dark areas of the city of Toledo in a panoramic night together. The possibility of transferring this idea to an entire city the possibilities considered in principle to form the Photographic Association of Toledo and seeing the enthusiasm of his magnificent novel partners and digital techniques, along with my passion for challenge, because I drove to see it almost viable.

Texto: Jose María Moreno.
Fotografías: Asociación Fotográfica de Toledo

La idea
Pues es muy antigua y diría que en absoluto de mérito personal,  sino más bien  derivada de la técnica de exposiciones múltiples a cámara abierta,  en exposición, que se ha utilizado habitualmente durante mucho tiempo  para poder iluminar “por partes” grandes espacios oscuros que en una sola exposición hubieran necesitado  medios de iluminación inalcanzables.

Pues esa fue la idea: iluminar las zonas oscuras de la ciudad de Toledo en una panorámica nocturna de conjunto. La posibilidad del traslado de esta idea a toda una ciudad la consideré en principio con posibilidades al formarse la Asociación Fotográfica de Toledo y al ver el entusiasmo de sus magníficos socios y las novedosas técnicas digitales, junto a la pasión que siento por los retos, pues que me empujaron a verla casi viable.

Tests
Prior to mobilize as many people, we felt the need to be clear about how and whether they actually would get success, the practical problems were few, although the theory was fine, is not the same light a nave of a cathedral, which a city of 2 square kilometers, how that is not the same, go!.

It all started with the release of the proposal on 06.04.2010 in the forums of the website of the association with a dramatic response and enthusiasm will not forget. In June of this year we prepared the first test in the lower part of the seminar rodadero along the banks of the river, with the collaboration of 12 partners, some of which were literally “hunted” by coming back from other interesting activities of the association.

We tested several traditional and some not known for application in astronomical photography, and I had news on that occasion with the help of the brilliant David Utrilla, founding partner and best photographer, architect indispensable for this activity along with Juan Carlos Ramos Carlos M. Baptist.

The tests consisted of light to flash a given area assigned to each “flasher” by several flashes, repeating his tour 5 times every minute, so that from the valley we had the opportunity to test various exhibitions. Before and after results were these:

Las pruebas
Antes de movilizar a tantas personas, nos vimos en la necesidad de tener claro cómo hacerlo y si  en realidad obtendríamos éxito, pues los problemas prácticos no eran pocos: aunque la teoría estaba bien, no es lo mismo iluminar una nave de una catedral, que toda una ciudad de 2 kilómetros cuadrados, ¡cómo que no es lo mismo, vaya!.

Todo empezó con el  lanzamiento de la propuesta el  6/04/2010 en los foros de la web de la asociación con una respuesta y entusiasmo espectaculares  que no olvidaré. En el mes de junio de este año preparamos la primera prueba en la zona baja de los rodaderos del Seminario junto a las riberas del río, con la colaboración de 12 socios, algunos de los cuáles fueron literalmente “cazados” al venir de vuelta de otras interesantes actividades de la asociación.

Probamos varias técnicas tradicionales y algunas que no conocía de aplicación en fotografía astronómica, y de las que tuve noticia en esa  ocasión gracias a la ayuda del genial David Utrilla, socio fundador y mejor fotógrafo, artífice indispensable de esta actividad junto a Juan Carlos Ramos y Carlos M. Bautista.

Las pruebas consistieron en iluminar con flash una zona determinada asignada a cada “flasheador”,  mediante varios destellos,  repitiendo su recorrido 5 veces cada minuto,  para que desde el valle tuviéramos la posibilidad de ensayar varias exposiciones. Los resultados antes y  después fueron éstos:

I confess that at first we were disappointed a little because the highlights were small, the city is very big and there are not many. However, intent on the matter, turning the issue and thanks to new techniques of astrophotography at large, we think that having clear the issue, it would not be repeated tours, a person could carry a small flash perfectly in each hand and could light up in about 5 minutes a fairly considerable walking and flashing their flashes at the same time.

The organization
At the meeting of the association from 13/06/2010, discussed the matter and formed a committee to get to work, which then joined Juan Carlos Ramos, and Carlos M. David Utrilla Baptist. There were several panoramic day and night from the same spots to see which areas were dark, how could light up and from where, identified several areas in 3 major areas: left, center and right.

Confieso que, en principio, nos decepcionó un poco pues las zonas iluminadas eran pequeñas, la ciudad es muy grande y no somos muchos. No obstante, empeñados en el asunto, dando vueltas al tema y gracias a las nuevas técnicas de fotografía astronómica por acumulación, pensamos que teniendo claro el  tema, no sería preciso repetir recorridos, que una persona podría llevar perfectamente un flash pequeño en cada mano y podría iluminar en unos 5 minutos una zona bastante considerable recorriéndola a pie y destellando sus flashes al mismo tiempo.

La organización
En la asamblea de la asociación del 13/06/2010, se expuso el asunto y se formó una comisión para ponerse a trabajar, a la que enseguida se sumaron Juan Carlos Ramos, David Utrilla y Carlos M. Bautista. Se hicieron varias panorámicas diurnas y nocturnas desde los mismos puntos para poder observar qué zonas quedaban oscuras, cómo podrían iluminarse y desde dónde, determinado varias zonas en 3 grandes áreas: izquierda, central y derecha.

He was also elected by vote takes place in the pan for what interesting proposals were prepared 5 marking its particular geographical location:

También fue elegido mediante votación el lugar de toma de la panorámica para lo que se prepararon 5 propuestas interesantes marcando su lugar geográfico concreto:

By voting among the members of the AFT was elected the station 1, followed closely by the 2 and 3, so that all subsequent work focused on planning the station 1.

Likewise, and with the experience of the tests, Juan Carlos Ramos, an experienced photographer, made a great tutorial and practical instruction on how to flash, settings, address, position and safety for the view that has been very useful.

A few days before, David Utrilla, Juan Carlos Ramos and Carlos M. Bautista placed each person in a specific place in their area, for what were considered to detail as the model for each flash and power range. Distributed their particular journey and the meaning, direction and angle of the flashes that failed to dazzle the cameras, getting to mark even the pedestrian route and start and end points. Copies are murals helped to appreciate the possible paths and roads, as well as the exact time of onset and duration of flares.

I include here the details of one of the 4 areas in which divided all Toledo:

Por votación entre los socios de la AFT fue elegida la estación 1 seguida muy de cerca por la 2 y por la 3, de manera que todo el trabajo posterior de planificación se centró en la estación 1.

Asimismo y con la experiencia de las pruebas, Juan Carlos Ramos, experimentado fotógrafo, realizó un práctico y magnífico tutorial de instrucciones sobre cómo flashear, ajustes, dirección, posiciones y seguridad para la vista que ha sido de gran utilidad.

Pocos días antes, David Utrilla, Juan Carlos Ramos y Carlos M. Bautista colocaron a cada persona en su lugar concreto dentro de su área, para lo que tuvieron en cuenta hasta el mínimo detalle como el modelo de cada flash y su potencia de alcance. Distribuyeron su recorrido concreto, así como el sentido, dirección y ángulo de los flashes para que no deslumbraran a las cámaras, llegando a marcar incluso su recorrido peatonal y los puntos de inicio y fin. Se ayudaron de copias murales para apreciar los senderos y caminos posibles, así como la hora exacta de comienzo y tiempo de destellos.

Incluyo aquí el detalle de una de las 4 zonas en las que dividieron todo Toledo:

Although we did not need high accuracy, time synchronization was achieved with previous adjustments for exact time on the Internet, system less outrageous than other proposals that we came up, like throwing fireworks, flares and stuff, and we come to consider very seriously by expected effectiveness.

The technique
We will not call it complicated, because it is not, but rather laborious and therefore making the issue. Panning is composed of horizontal scanning for 5 different takes approximately 30 degrees of rotation 30% overlap between them. This also has a great complexity, the problem comes in the exhibition as we have some differences in brightness between the bright lights (Alcázar and Cathedral) and low (riparian areas) of approximately 1:256 times, which means cover 8 steps exposure to the margins required to capture detail we go through 12 steps. The human eye is perfectly capable of absorbing these differences too well but the cameras did not, so we synchronous HDR shots with a difference of + -3 steps in each of the necessary shots in the panorama. So the shots were made immediately prior to the start time of the flashes.

All these flashes flashed for half an hour about three thousand times, for 7 minutes in each of the areas so that cameras could capture their area on time (21:30, 21:40 and 21:50), leaving 3 minutes of room to change positions of the cameras.

Here the camera technology was completely different, we knew the exposure for the many tests we did before, only needed to photograph at all clear, and resolve various technical problems of modern digital sensors that are designed to take pictures of half-hour ! such as excessive heat, noise and other cute digital problems. The solution came to us from David Utrilla, had to be asked to do series of uninterrupted burst of several seconds and then link them by software. There are several programs that do this astrophotography dramatically.

Well we did … and it was time the reeds.

The later edition was much more laborious but also complicated, you have to join the nearly 200 photographs taken of each chamber, to unite them so friendly to not nag each other and ready.

Just point some trivia: The final photograph in the station 1 has in Photoshop 27 layers, 20 masks and 5 actions, editing time has been 9 hours, 6 programs were used and full size 16-bit is 1 , 7 GB!

Do not want to develop this section because too heavy and would also like magic, something must be kept hidden Wink

Results:

Before

Aunque no necesitábamos una gran exactitud, la sincronización del tiempo fue lograda con ajustes previos por hora exacta en Internet, sistema  menos escandaloso que otras propuestas que se nos ocurrieron, como tirar cohetes, bengalas y cosas así y que llegamos a considerarlas muy seriamente por su previsible eficacia.

La técnica
No vamos a calificarlo de complicado, porque no lo es, pero sí bastante laborioso tanto la toma como la edición. Se trata de realizar panorámicas por barrido horizontal compuestas por 5 tomas diferentes a unos 30 grados de giro solapando un 30% entre una y otra. Esto tampoco tiene una gran complejidad, el problema viene en la exposición pues tenemos unas diferencias de luminosidad entre las luces altas (Alcázar y Catedral) y las bajas (zonas de ribera) del orden de 1:256 veces, lo que supone abarcar 8 pasos de exposición que con los márgenes necesarios para captar detalles nos vamos a 12 pasos. La vista humana es perfectamente capaz de absorber  esas diferencias sobradamente pero las cámaras no, por lo que hicimos tomas sincrónicas en HDR con una diferencia de +-3 pasos en cada una de las tomas necesarias en la panorámica. Así se realizaron las tomas inmediatamente  anteriores a la hora de comienzo de los flashes.

El conjunto de estos flashes destellaron durante media hora unas tres mil veces, durante 7 minutos en cada una de las zonas para que las cámaras pudieran captar su zona a su hora (21:30, 21:40, y 21:50) dejando 3 minutos de margen para cambiar las posiciones de las cámaras.

Aquí la técnica de cámara fue completamente distinta, conocíamos la exposición por las numerosas pruebas que hicimos anteriormente, sólo era necesario fotografiarlos a todos claro, y resolver varios problemas técnicos de los modernos sensores digitales ¡que no se han diseñado para hacer fotos de media hora! como son el excesivo calentamiento, el ruido digital y otros lindos problemas. La solución nos vino de David Utrilla: había que plantearse hacer series por ráfaga de varios segundos ininterrumpidamente para luego por software unirlas.  Hay varios programas de fotografía astronómica que realizan esto de forma espectacular.

Pues así lo hicimos …y llegó la hora de las cañas.

La edición posterior fue mucho más laboriosa pero tampoco complicada, hay que ensamblar las casi 200 fotografías tomadas de cada cámara, unirlas de modo amigable para que no regañen unas con otras y listo.

Sólo apuntar algunos datos curiosos: La fotografía final en la estación 1 lleva en Photoshop 27 capas, 20 máscaras y 5 acciones, el tiempo de edición ha sido de 9 horas, se han utilizado 6 programas y su tamaño completo a 16 bits es de 1,7 Gb.!!

No queremos desarrollar excesivamente este apartado porque se haría muy pesado y además, como en la magia, algo  debe mantenerse siempre oculto 

Los resultados

Antes

After

Después

Details

Detalle

History Data
Production: September 25th, 2010 at 21:30 pm
Approximate number of flash output: 3,000
Photographers: 50
Illuminated area: 100,000 square meters
Set available: 2 square kilometers
Chambers: 4
Total number of pictures taken, including tests: 1,200

Authors: including a helper if not in the AFT, as does our beloved Eva Corral, and are slow … are these: Juan Carlos Ramos, David Utrilla, Carlos Moral Bautista, Francisco Camino, Andrés Zamorano, Isi Hernández, Laura Paredes , Eduardo Sanchez Butragueño, Eduardo Salas, Vanesa Gómez, Antonio Escribano, Richard Sheriff, Francisco Javier Sepulveda, Alvaro López Velázquez, Pablo López Núñez, Rosa Herrera, Dani Martín, Ángel Cano, Sponsorship Navarro, Juan Carlos Perez, Luis Arribas, Rosa Mayoral Jose Maria Moreno García, Jose Luis Sánchez Gálvez, Marian Arroyo Blasco, Julián Lozano, Angel Diaz, Soledad Tante, Gregorio Pérez Saavedra, Felix Ortega, Julián Nieves Camus, Cristina Sánchez-Crown, Daniel López Vázquez, Rubén García, Rubén Gómez Lanza Laura Diaz, Alejandro Moreno, Adrián Hernández, Eva Corral, Arturo Menchaca, Manuel Nieto, Catherine, Beatriz López, Blanca riders, Jesus the Word, Alfonso Carlos De Ancona, Sagrario Téllez, Juan Encinas, Arturo Gutierrez and José María Moreno Santiago.

It is also required to cite here all the members of this association who, for various reasons or obligations, could not attend but who have supported and encouraged all times sen.

Without a doubt, is the first time in the history of Toledo, held a panoramic picture of the entire city this way and we believe that probably any other place or at least we are not aware of anyone having done so.

Not wishing to boast no flowers, when you see something and can be made to understand, imitate, improve, and criticize, missing more, but think, machinery and do it from the absolute zero, we believe it has any merit, the members of the Photographic Association Toledo deserve.

P. D. … Toledo … shake, threaten to not be the last.

Datos para la historia
Realización: 25 de Septiembre de 2010 a las 21:30 h
Nº aproximado de destellos de flash: 3.000
Fotógrafos: 50
Superficie iluminada: 100.000 metros cuadrados
Plató disponible: 2 kilómetros cuadrados
Cámaras: 4
Nº  total de fotografías tomadas, incluyendo las pruebas: 1.200

Autores:  incluyendo  algún ayudante que si no están en la AFT, como dice nuestra querida Eva Corral, ya están tardando…, son éstos: Juan Carlos Ramos, David Utrilla, Carlos Moral Bautista, Francisco Camino,  Andrés Zamorano, Isi Hernández, Laura Paredes, Eduardo Sánchez Butragueño, Eduardo Salas, Vanesa Gómez,  Antonio Escribano, Ricardo Alguacil, Francisco Javier Sepúlveda, Álvaro López Velázquez, Pablo López Núñez, Rosa Herrera, Dani Martín, Ángel Cano, Patrocinio Navarro, Juan Carlos Pérez,  Luis Arribas, Rosa Mayoral, José María Moreno García, Jose Luís Sánchez Gálvez, Marian Blasco Arroyo, Julián Lozano, Ángel Díaz, Soledad Tante, Gregorio Pérez Saavedra, Félix Ortega ,Julián Nieves Camuñas, Cristina Sánchez-Heredero, Daniel López Vázquez , Rubén García, Rubén Gómez Lanza, Laura Díaz, Alejandro Moreno, Adrián Hernández, Eva Corral, Arturo Mencia, Manuel Nieto, Catalina, Beatriz López, Blanca Cabalgante, Jesús del Verbo, Alfonso Carlos De Ancos, Sagrario Téllez,  Juan Encinas, Arturo Gutiérrez y José María Moreno Santiago.

También es obligado citar aquí a todos los integrantes de esta asociación que, por diferentes razones u obligaciones, no pudieron asistir pero que nos han apoyado y animado sen todo momento.

Sin ninguna duda, es la primera vez en la historia de Toledo, que se realiza una fotografía panorámica de toda la ciudad de esta forma y creemos que posiblemente de cualquier otro lugar o al menos, no tenemos noticia de que nadie lo haya hecho.

No queremos echarnos ninguna flor, cuando se ve algo ya realizado se puede comprender, imitar, mejorar  y criticar, faltaría más,  pero pensarlo,  maquinarlo y hacerlo  desde el más absoluto cero, creemos que tiene algún mérito, los integrantes de la Asociación Fotográfica de Toledo se lo merecen.

P. D.  …Toledo, …tiembla, amenazamos con que no será la última.

Dinfunde

Todos los que fotografiamos en la calle tenemos muchas dudas  a la hora de fotografiar a personas, sobre todo al principio. Los profesionales del medio tienen sus trucos. En algunas ocasiones, estos profesionales están dispuestos a compartir su experiencia y orientarnos en este camino. En esta ocasión es David Airob, editor gráfico de La Vanguardia, quien en su blog The W SIDE nos explica su actitud a la hora de fotografiar cerca de las personas. Desde la redacción de caborian deseamos que estas pautas os ayuden en vuestra afición y agradecemos a David la generosidad de su blog.

Leer artículo completo: Fotografiar cerca de las personas (1ª parte)

También nos presenta unos sencillos ejercicios de la siguiente manera:

Leer artículo completo: Fotografiar cerca de las personas (2ª parte)

Nati Martínez

Dinfunde

Ya os contamos aquí que Fujifilm ha desarrollado un nuevo sistema autofoco para compactas que estaba basado en los mismos principios que el de las cámaras réflex, prometiendo una velocidad de enfoque parecida al de estas últimas. Las primeras pruebas que hemos visto, como esta que conocimos vía FotoActualidad, prometen mucho. Si realmente funciona tan bien quizás sea la solución para las cámaras de objetivos intercambiables sin espejo, las EVIL, y para el modo LiveView de las DSLR. Hoy Dpreview publica en exclusiva una explicación al funcionamiento. El texto traducido por Google puede leerse aquí.

Los píxeles encargados de la detección de fase -así se llama el mecanismo de enfoque- están tapados de manera que reciben luz únicamente de una mitad de la que entra por la lente. Un píxel recibe la de la mitad derecha y otro la de la izquierda. Tiras de estos píxeles comparan la imagen de la mitad izquierda con la derecha y sólo cuando la cámara está enfocada coinciden. Además la separación entre una y otra imágenes indica al sistema si el foco está por delante o por detrás y cuánto, al contrario de lo que sucede en el autofoco por contraste que debe ir haciendo pruebas de ensayo y error, haciendo que lo intente adelante y atrás. También facilita el enfoque continuo, ya que puede determinar hasta la velocidad con la que se mueve el sujeto adelante y atrás.

Cuando el sensor no recibe suficiente luz la cámara pasa al sistema de autofoco por contraste, más efectivo en estos casos y por eso Fujifilm denomina al sistema “híbrido”. En principio los sensores tienen únicamente un punto de enfoque central para la detección de fase, pero no parece complicado añadir algunos más, y tampoco poner puntos de enfoque en cruz (con detección arriba-abajo además de derecha-izquierda). Desde Fujifilm declaran que estos píxeles dedicados al autofoco, y que reciben la mitad de luz que sus vecinos, no son importantes dentro de un sensor de una decena de megapíxels y la calidad de imagen no se ve comprometida en esa zona. En Dpreview prometen hacer una prueba de la velocidad de este nuevo sistema de enfoque, estaremos atentos.

Vía Dpreview | Por Félix Sánchez-Tembleque (wiggin)

Dinfunde

De las dos posibles fuentes de movimiento que afectan a la nitidez de una imagen -fotógrafo y motivo fotografiado- llamamos trepidación a la que se produce por el movimiento de la cámara. Velocidades de disparo muy bajas nos llevan a imágenes poco nítidas lo cual no tiene porqué ser un problema si es que ese era nuestro propósito creativo tal y como vimos en el LAB, del que extraemos este texto:

Para evitar la falta de nitidez por culpa del movimiento de la cámara –que llamamos trepidación-, la regla clásica de los manuales de fotografía dice que para disparar una cámara de 35mm sostenida con las manos con una distancia focal X es necesario disparar a una velocidad más rápida de 1/X. Tomando esto sólo como una referencia -válida según mi punto de vista, si sostenemos la cámara con una técnica adecuada- y no como una verdad absoluta, con la llegada de la fotografía digital tememos nuevos factores en juego

• Los objetivos y cuerpos con estabilización de imagen que permiten bajar hasta 4 puntos (son suerte y práctica) sobre esa velocidad.
• Las cámaras con sensor de tamaño diferente al negativo de 35mm. Puesto que lo importante es el movimiento en términos de ángulo, debe considerarse la focal equivalente. Para APS-C hay que subir un punto, y para 4/3, dos puntos.
• La resolución del sensor, una variación que no es apreciable en un sensor de 8 megapíxels sí puede serlo en uno de 20. También sucede lo contrario, mi experiencia es que las compactas de 3 mpix pueden dispararse con cierto cuidado a 1/8 y las de 6 a 1/15 en su posición angular.

La llegada de las cámaras réflex digitales ha modificado la regla clásica de la inversa de la focal en dos sentidos, ambos relacionados por un mismo factor: la densidad de píxeles. Tal y como digimos entonces, el tamaño del sensor y su resolución nos afectan. Un sensor más pequeño con mayor número de píxels tiene más densidad. Si un teleobjetivo de 200mm podía dispararse a velocidad de 1/200 en una réflex con película de 35, montado por ejemplo sobre una Canon EOS 7D (formato APS-C y 18mpix) debería dispararse por encima de 1/400. Un paso de exposición más por la multiplicación de focal y otro por los 18mpix.

Afortunadamente una gran parte de los objetivos con más problemas en este sentido -las focales más largas- disponen ahora de mecanismos de estabilización que compensan los movimientos y permiten disparar con velocidades hasta 4 puntos de exposición más bajas en el mejor de los casos. Estos objetivos disponen de un pequeño grupo de lentes que se desplazan para hacer esa corrección. Existe también otra aproximación al problema con cuerpos de cámara que integran el mecanismo de estabilización. En este caso lo que se desplaza para compensar el movimiento de la cámara es el propio sensor de imagen. La principal desventaja del segundo sistema es que la compensación no se ve en el visor, donde la falta de nitidez es más evidente. La principal ventaja es que es compatible con cualquier lente, incluidas las que integran estabilización. Estos mecanismos de estabilización sin embargo suponen un coste extra en los objetivos y los cuerpos, y además pueden degradar la imagen y en particular el bokeh, las figuras que se producen en los elementos desenfocados. Si el estabilizador no es necesario debe ser desconectado siempre. Además estaremos ahorrando batería.

Los mecanismos de estabilización dependen de un sensor que mide los movimientos de la cámara para compensarlos. Estos sensores que eran terriblemente caros (y lo siguen siendo cuando deben ser muy precisos, como los que integran los navegadores inerciales de los aviones) han bajado mucho su precio y ahora están integrados hasta en muchos teléfonos como el iPhone.

Lo que hemos visto esta semana es la presentación por parte de Microsoft (aquí se puede leer el documento original vía Thom Hogan) de un algoritmo matemático para corregir esa falta de nitidez a posteriori de tomar la imagen, es decir, procesar una imagen para mejorar su nitidez. En realidad no es nada nuevo y está integrado en sistemas de fotografía aérea desde hace tiempo.

Cuando disparamos a una velocidad más baja de la debida, el movimiento de la cámara se traduce en algo parecido a una serie de imágenes montadas unas encima de otras en diferente posición, produciendo una imagen borrosa. Matemáticamente, este proceso se llama convolución, y deshacerlo deconvolución. Para poder deshacer el proceso es necesario conocer cómo se movió la cámara en el momento de la toma, los autores del trabajo incluyeron un sensor para medir este movimiento basado en la plataforma Photoduino de la que ya os hablamos.

El montaje es muy aparatoso pero ha servido para demostrar la efectividad del sistema, en una aplicación real podría usarse el sensor de un iPhone integrado en el cuerpo de cámara y grabar los datos de movimiento en los EXIF, y los resultados en algunos casos mejoran a los de la estabilización integrada en objetivos o cuerpo. ¿Veremos pronto estos sistemas en nuestras cámaras?

Dinfunde

Recopilación por Juan Ángel Caballero (jansbd)

La historia de la fotografía nos muestra un sinfín de blancos y negros. La variedad de emulsiones negativas se ofrecían con unos estándares, y el revelado químico de ellas terminaba por definir la escala de grises. Desde siempre la emulsión negativa era un soporte con un gran margen de control ya que era fácilmente accesible desde nuestras casas. Si bien el contraste, nitidez, sensibilidad y grano lo seleccionábamos desde la compra de la emulsión, no era hasta el revelado y positivado cuando lográbamos la copia deseada. Hoy en día, la emulsión viene dada por el tipo de sensor, y del revelado y del positivado se encarga un complejo programa que te da la oportunidad de obtener una variedad infinita de blancos y negros.

Con los avances tecnológicos nuestras cámaras han ido avanzando en la mejora de la respuesta de los sensores y los programas se han sofisticado de tal manera que han provocado mil formas de revelar y convertir a byn nuestras fotos.

Caborian siempre ha sido una comunidad puntera en la preocupación técnica del revelado y en concreto de la conversión de color a blanco y negro. Lo constatan diversos tutoriales como los elaborados por:

• Rafa Espada: http://www.caborian.com/foro/index.php?topic=97599.0
• Gusbus: http://www.caborian.com/foro/index.php?topic=97625.0
• Cigalotron: http://www.caborian.com/foro/index.php/topic,48130.0.html
• Jaime Mu: http://www.caborian.com/foro/index.php/topic,71621.0.html
• Night Train: http://www.caborian.com/foro/index.php/topic,77774.0.html

Y a pesar que existen miles de ejemplos navegando por la red donde podemos acudir y conocer la actualidad metodológica en la conversión a blanco y negro, hemos querido aglutinar en un mismo espacio la opinión de los fotógrafos ligados a Caborian. Gráficamente, con un par de pantallazos y unas letricas, muestran su particular visión en la elaboración de sus blancos y negros.

Todos coinciden en disparar a todo color y en formato Raw. Tienen el máximo cuidado en el momento de la exposición, llevando el histograma al límite de la derecha según el margen de contraste de la escena y el rango dinámico de su cámara, eligiendo el espacio de color Adobe RGB (1998) y a 16 bits. Sin embargo, cada uno revela según criterio propio. Unos desaturan o pasan a escala de grises desde un inicio en la apertura del Raw, y otros procesan en color y dejan la conversión para el final.

Los hay quien les gusta trabajar la imagen de forma global y quien la divide en diferentes zonas para conseguir el contraste deseado, tras aplicar diversos ajustes de niveles y curvas. Lo que si tienen en común, es que ponen especial empeño en mantener un buen color (tono, saturación y brillo) para garantizar una óptima conversión. Como punto final, y antes del enfoque definitivo, algunos añaden un virado que proporciona una tonalidad al byn.

Para ello, manejan diferentes métodos y herramientas que proporcionan los programas existentes en el mercado. Los más populares son Adobe Camara Raw, Photoshop y Lightroom. Veamos algunos ejemplos:

• Mezcla de Escala de Grises en LR, by Koyote.

Trabajo con Ligthroom y lo primero que hago es hacer una copia virtual de RAW y convierto ambos a escala de grises.

Luego Revelo uno de los RAWs para las zonas más oscuras y la copia virtual para las zonas más claras, en este caso además coincide con la parte de arriba de la foto y la de abajo, lo que hace más sencillo en trabajo, incluso se podría hacer con tres copias, así trabajar las luces altas, medias y bajas.

A la hora de revelar estos RAWs, utilizo lo típico (balance de blancos, exposición, altas luces, luz de relleno, negros, etc) y luego voy afinando cada una de los RAWs con la curva de tonos y con la “mezcla de escala de grises“, pero con cuidado porque si abusas de algún canal enseguida sale ruido. El último toque se le puede dar en calibración de cámara, es cuestión de ir moviendo los deslizadores, no se pueden dar unos valores concretos, porque cada foto es un mundo.

Una vez afinados los RAWs, seleccionas los dos y con el botón derecho pinchas en “editar en”- “abrir como capas en Photoshop”. Una vez abiertas las dos capas en PS, es hora de fusionarlas, y se trata de unir la parte de arriba con a de abajo, con un pincel negro se va pintando en la máscara las zonas que nos interesen de una capa u otra, y cuando lo tengamos utilizamos la herramienta desvanecer máscara (funciona como el desenfoque gaussiano, pero hace mejor trabajo y tengo entendido que esta herramienta en la versión CS5 está todavía mejorada, yo uso CS4).

A veces con esto suele valer, aunque se les pueden añadir unos sutiles toques de niveles y curvas por zonas para terminar de afinarla. Y finalmente aplicamos un virado con el método de máscara rápida para que afecte solo a las altas luces y a los grises muy claros.

• Mezcla de escala de grises, por Rin.

Para el revelado en byn, hasta hace poco lo he ido haciendo con photoshop,  sin tener un método común que se pueda decir que utilizo para todas las fotos.

Desde que instalé el Lightroom, la gran mayoria de las fotografias ya sea en byn o color, las revelo y exporto a tiff con él sin pasar por photoshop, a excepción de las que considero que necesitan tratamientos más específicos.

Como se ve en el pantallazo, la fotografía de la izquierda es el Raw ya ajustado con los valores que considero oportunos, y en la ventana de la derecha se puede ver, la misma en escala de grises, con los valores introducidos en el mezclador de canales y con el virado para luces y sombras. Me parece un método rápido y efectivo para procesar grandes cantidades de fotografías.

Si esto no me convence, o veo que la fotografía necesita algo más, la paso a photoshop y normalmente usando los ajustes de “blanco y negro” o “mezclador de canales” para pasar a byn, y capas de ajuste de curvas con máscaras, para acentuar contrastes, ajustar luces más finamente y darle los virados. En alguna ocasión también le pongo un mapa de degradado en modo multiplicar y regulando la opacidad.

• Mezcla de Escala de grises, según lisimaco.

Mi método de conversión de byn es bastante sencillo e intuitivo a mi parecer y os lo resumo brevemente en pocos pasos…

Trabajo en Raw con el programa Lightroom donde activo el tratamiento byn desde la pestaña para tal fin en el desplegable de acciones básicas (arriba derecha) donde suelo personalizar esta acción automática con el binomio Temperatura-matiz.

También utilizo los comandos Exposición-Negros para la latitud y Claridad para contrastar (personalmente me parece más fina que la propia herramienta Contraste).

En el segundo desplegable, Curva de Tonos, suelo utilizar una ligera curva y paso al desplegable HSL, Color y Blanco y Negro, para mí el más personal y el que más me gusta. Despliego la opción mezcla de blanco y negro jugando al gusto con los colores originales de la toma convirtiéndolos en una gama de grises mucho más rica en matices, es una herramienta bastante completa.

• Mezcla de Escala de grises, por mdaf.

Antes solía utilizar el mezclador de canales de Photoshop, pero con la aparición de Lightroom me he hecho algo más comodón. Normalmente parto de LR y utilizo algún preset que previamente he guardado en otros procesados y lo adapto a mis gustos en cada foto, o simplemente paso a “Blanco y Negro” y juego con los diferentes colores (algo muy parecido a la herramienta “Blanco y Negro” de Photoshop).

Me gustan las fotos algo contrastadas e intento dejar en el raw la foto lo más parecido posible a lo que sería la imagen final. Esto lo hago en LR jugando con la exposición, contraste y demás herramientas del ACR.

Suelo utilizar también la herramienta de degradado para añadir pequeños viñeteos u oscurecer ciertas zonas.

Una vez tengo la imagen más o menos como la quiero, paso a Photoshop para seguir procesando en 16 bits.

Me encanta el procesado por zonas, desde que descubrí hace mucho ya el tutorial de Cigalotron, un mundo se abrió para mí. En esta foto todas las zonas están tratadas con niveles, aunque también utilizo algunas de curvas de vez en cuando. Selecciono la zona a tratar, creo una capa con su máscara, la trato y finalmente desenfoco la capa con el desenfoque gaussiano de PS.

También me gusta crear al principio una copia de la imagen y pasarla al modo Multiplicar, aunque bajando la opacidad de la misma o borrando con una máscara aquellas zonas que han quedado demasiado exageradas.

• Mezcla de Escala de grises, según Rafa Espada.

En Lightroom proceso la toma en general… y la paso a B&N. Toco los tonos para dar los diferentes volúmenes a la foto. Si acaso, con el pincel de retoque local, “pinto” la foto para realzar zonas que me interesan y así centrar la atención donde mi interesa.

• Mezcla de Escala de grises, by quepo.

Utilizo Lightroom para pasar a “blanco y negro”. Tras convertirla a escala de grises básicamente utilizo la curva de tonos y el mezclador de escala de grises.

Luego suelo compensar luces y sombras con ayuda del filtro degradado y sobre todo con el pincel.

Ayuda mucho partir de una exposición correcta en el momento de la toma y luego en el procesado “estirar” el histograma hacía ambos lados para conseguir una amplia gama de grises y perder la mínima información posible.

• Silver efex pro, por Argibiza.

Yo no me complico la vida con el ByN; desde que descubrí el Silver efex PRO de niksoftware, mi blanco y negro se crea con ello.

Habitualmente revelo en capture NX programa que se entiende a la perfección con los NEFs de nikon. Lo obtenido lo exporto a TIFF y si necesario lo remato en PS.

Una vez creado el TIFF y abierto este en PS se inicia el pluggin de NIK SOFTWARE. Aparece la foto ya en ByN, a la izquierda diversos “presets de B/N”, a elegir…. y a la derecha instrumentos con deslizadores para ajustar el preset aplicado. Se pueden colocar filtros y regular la intensidad de estos, emular emulsiones de analógico y controlar brillo contraste, estructura (especie de microcontraste/Detalle), tecnología U-points etc…. mucha flexibilidad y potencia.

Resulta de inmensa ayuda el control de las ONCE ZONAS de la parte inferior derecha que controlándolo permite la obtención de un B/N con una gran riqueza de tonos.

En definitiva un producto sencillo, efectivo, de los que logra resultados además con inmensa flexibilidad, potencia y relativa sencillez.

• Silver efex pro, según Deo.

Proceso el B/N desde el Plug-ins Silver efex pro, tiene tantos controles que se hace muy creativo. Este filtro como cualquier otro no hace nada que desde Photoshop no se pueda hacer de mil formas diferentes, pero al estar centrado en el B/N en una grafica, muy intuitiva hace cómodo y fácil el proceso.

Bueno es poder aplicar este filtro como un objeto inteligente en PS, también desde aplicación externa en LR  dos cosas muy interesantes.

Yo comienzo el proceso desde la versión definitiva de color, aplicando una conversión neutral y aplicando brillo, contraste y estructura al gusto, añado unos puntos de control para destacar zonas concretas, cosa muy interesante es poder proteger zona del histograma en sus extremos del blanco y del negro, el típico filtraje de color que lo controlas de forma sencilla, con parámetros de tono e intensidad, muy creativa la sección de tipo de película que se esconden dos cosas muy interesantes sensibilidad y curvas de tonos, donde tienes más control sobre el B/N, para terminar en el cierre de la imagen esta la zona de estilizado, donde se puede rematar con control del viñeteo así como un control muy grande sobre el virado. Todo esto aplicado en una capa y mascara de recorte en el modo pincel me parece una herramienta muy completa y versátil.

• Escala de Grises en acdsee, por Chavi.

Convierto en B/N con el programa acdsee Pro 8.1. Es un método muy rápido y con un resultado simplemente aceptable, aconsejable sobre todo para principiantes, ya que lleva poco trabajo y es muy fácil, el mayor inconveniente es que no tienes muchos parámetros de control sobre los resultados, ya que actúa sobre toda la foto. Además, el acdsee es más un visualizador de fotos que una herramienta de tratamiento.

Primeramente consiste en convertir la foto que tengo en TIFF, en B/N mediante el comando escala de grises y después re-contrastarla con el comando luces y sombras teniendo cuidado de no ennegrecer con las sombras mucho los negros, ni reventar las partes claras con las luces.

Después, lo que suelo hacer es guardar la foto con otro nombre en TIFF y llevármela al Photoshop para dejarla más fina con tratamiento por capas de niveles con selecciones por zonas.

• Desaturación en RAW, según Deckard.

Elimino el color con la herramienta desaturar en el mismo ACR, y trabajo en PS por zonas mediante máscaras de niveles y curvas para crear gradientes de profundidad al ir intercalando luces y sombras.

• Desaturación en ACR, by Stone.

Lo primero es obtener una fotografía con el ISO más bajo posible y exponiendo hacia la derecha evitando zonas quemadas. Para ello, desaturo desde el camera raw, con el manejador que existe para ello abajo en la primera paleta de menús.

A partir del Raw obtengo una salida en Adobe RGB, tiff y 16 bits, moviendo la exposición todo lo posible hacia la derecha y bajando los negros a 1 ó 2. Puede que ajuste levemente el brillo.

Una vez obtenido el tiff, y dependiendo de cómo sea la imagen, duplico la capa y la superpongo al 100%, eliminando la información en las zonas que no me interesan, en este caso las ventanas, que ya son bastante oscuras. En otras imágenes puede que no duplique la capa o que no deje la opacidad al 100%, todo depende como digo, del tipo de imagen.

Selecciono las zonas mediante lazo, siempre desde adentro hacia afuera para restar estas zonas una vez creadas a las zonas más grandes que las abarcan. A todas las selecciones les aplico un desenfoque gaussiano pequeño (entre 1 y 4 pixeles) que dependerá del foco de la zona seleccionada.

Una vez seleccionada la zona a procesar y aplicado el desenfoque ajusto niveles mediante capa de ajuste en modo luminosidad, como he dicho, seleccionando zonas de dentro a fuera. En el caso de la imagen ejemplo, la secuencia sería primero la ventana ciega, después las dos ventanas, los marcos y por último del resto de la fachada, seleccionado todo el encuadre y restando las selecciones de las capas de ajuste anteriores.

Cuando he logrado procesar todas las zonas, vuelvo a pasar por todas las capas de ajuste desde el principio, aplicando un pincel sobre las zonas más oscuras, para evitar empastamientos. Una vez hecho esto, ajusto otra vez los niveles, de un modo más suave.

En este paso guardo la imagen con formato psd para conservarla, combino las capas y vuelvo a pasar un ajuste en modo luminosidad a toda la imagen. También es muy leve.

Una vez combinada esta última capa, aplico enfoque con el método de “hallar bordes”, siempre en el último paso del procesado.

Como nota general, decir que todo depende del tipo de imagen que sea, la información que lleve y que hay que tener cuidado al procesar por zonas porque se pueden generar efectos de luz incoherentes entre ellas.

• Mezclador de canales en PS, por Rayos X.

Proceso en ACR y calibro blancos y ajusto el rango de luces lo mejor posible. Ya en PS, convierto a b/n con mezclador de canales y trabajo por zonas mediante capas de curvas y de corrección selectiva, dependiendo de lo que busque.

En el ejemplo, los tonos y luces me han permitido procesar la foto mediante una sola capa de corrección selectiva, pero no es ni mucho menos lo corriente.

• Mezclador de canales, según Montesino.

Nos permite hacer simulaciones como si estuviéramos usando filtros de color sobre una emulsión negativa. Yo suelo usar una capa de ajuste de mezclador de canales en modo monocromo para pasar a blanco y negro. Después, uso capas de ajuste niveles o curvas por zonas, y por último, una capa de curvas para virar.

• Mezclador de canales, conforme Mr. Vicarius.

Comienzo por añadir una copia en modo de luz suave al 98% para ofrecer un mayor contraste general. Proceso por zonas aplicando máscara de niveles y de curvas. Convierto a byn con una mezcla de R 25%, V 35% y Az 40%. Y aplico un tonalidad con “tono-saturación” (modo colorear, tono 20, saturación 3).

• Mezclador de canales, por Charly.

La imagen original de la que parto la abro con camera raw donde ajusto un poco según lo que busco.

Para pasarla a b/n voy a mezclador de canales y en este caso suelo dar valores de R#25, R#37, B#41.

Posteriormente voy a curvas y utilizo cada canal de curva para hacer un virado como tan bien los explica Jaime Mu en su tutorial.

• Mezclador de canales, por Sigma.

El método que utilizo siempre es conversión mediante mezclador de canales, y después una edición por capas.

• HSL desaturado en LR, by Gotzon.

Utilizo Lightroom para abrir la toma en RAW y ajusto el color. Convierto a b/n mediante HSL desaturado, con unos valores en Luminancia a cada color en el apartado de HSL (Matiz, Saturación, Brillo) como los vemos en la captura de pantalla; desde aquí se actúa por separado sobre la cantidad de luminosidad que se quiere aplicar a cada color. Seguidamente, abro la imagen en CS4 para ajustes por zonas con curvas.

• Tono/ Saturación en PS, como Vacares.

Método donde controlo la intensidad de los colores de la imagen y su saturación. Partiendo de la imagen original, divido por zonas y aplico máscara de niveles y de curvas. Convierto a blanco y negro mediante Tono/ Saturación con una mezcla de Tono#37 y Saturación#7.

• Tono/ Saturación (Rusell Brown), por Jebel.

Se basa en hacer una copia de la foto, a partir de la cual se crean 3 capas de ajuste, dos de tono y saturación (hue/saturation) y una de niveles (levels):

• A la 1ª Capa (la primera duplicada del original) la pasamos a modo de fusión: Color, y la segunda se deja en normal.
• En la 2ª Capa (la segunda duplicada, de arriba) ajustamos la saturación a – 100.
• La capa en modo color se le varía el tono hasta llegar a la tonalidad deseada.
• Se ajusta la capa de niveles a valores deseados reservando la zona importante que se desee con máscara.
• Se duplica la capa de niveles y se invierte, ahora se ajusta esta zona.
• A partir de aquí se pueden hacer las capas que deseen y reservando por zonas.

• Tono/ Saturación, por PepínGM.

Suelo empezar trasteando con presets en Lightroom, pero como tengo la sensación de no estar revelando yo la foto, acabo irremediablemente en PS:

• Capa de desaturación.
• Una segunda capa de niveles a toda la foto.
• Si la foto sigue pidiendo algo más de contraste, añado una tercera capa de ajuste de niveles por zonas, tratando de forzar algo más blancos y negros para que la fotografía no quede plana.
• Enfoque en modo luminosidad, que hace también ganar algo de contraste a la toma. Si es necesario, se enmascararán algunas zonas.

Los dos últimos pasos, son a ojo y fiándose de uno mismo, ya que no existen recetas mágicas. Es un procesado de lo más básico. Muy importante trabajar en 16  bits.

• Calcular en PS, según Gus.

El proceso se realiza en tres pasos. Además de la capa que tenemos creamos otra vacía y se selecciona la inicial. Entonces vamos a Imagen/Calcular en modo de fusión multiplicar (con el valor de opacidad al gusto de cada uno) dejando la configuración de la pantalla como muestro y creamos el canal alfa 1.

Lo dejo en modo fusión multiplicar porque es el que me muestra una conversión más ajustada a la realidad.

Es importante también activar la casilla previsualizar y como en el canal rojo y verde es donde tenemos más información son los que seleccionaremos en las dos primeras selecciones. También tendremos que activar la casilla máscara y seleccionamos el canal azul pero con la casilla invertir activada.

Le aplicamos unas curvas al canal alfa 1 y le damos un meneillo al gusto y cuando la tengamos como queremos: Cntrl A (seleccionar), y Cntrl C (copiar) en el canal alfa 1. Seguidamente vamos al canal vacio y Ctrl V (pegar)  en modo de fusión normal. Acoplamos y listo. Y podremos ver también con la opacidad cómo se va convirtiendo de forma pausada de color a BN o dejarlo en un punto intermedio de desaturación.

• Calcular, por Nodroc 74.

Abro la foto desde el RAW con el Sigma Photo pro, (cámara sigma dp1: f:4, 1/125, iso800). Realizo ajustes tonales, y paso a monocromo. Paso a PS donde recorto y encuadro. Proceso mediante el modo Calcular y en este caso activo los dos canales en gris y luz suave. Aplico imagen, luz suave a 30%, mascara de enfoque (cantidad 20, radio 50), ajuste de niveles y paso a jpg con la acción de caborian.

• Mapa de degradado en PS, por Sandy Hook.

El método se basa en aplicar una capa de Mapa de Degradado, tomando blanco y negro como colores de fondo y superficie. Antes de la conversión sólo aplico una capa de curvas de contraste lineal (el preestablecido). Tras la conversión lo que hago es aumentar el contraste en las zonas que me interesa y se puede hacer con curvas o también aplicando una capa de ajuste de corrección selectiva donde a los blancos les quito negros, en otra a los medios les añado negros (normalmente) y en otra a los negros les añado negros. Haciéndolo en capas independientes te permite aplicar máscara de capa en cada una de ellas e ir pintando para tapar el efecto en unas zonas y dejarlo en otras. Otra forma de alterar el contraste es aplicar una capa de ajuste de “Exposición”, tocando con cuidado los comandos al gusto. Añado ahora una capa de ajuste de corrección selectiva y finalizo con un ligero virado, a falta de dimensionar y enfocar según destino de la foto.

• Blanco y Negro en PS según Laiño.

Como he supuesto que la mayoría de métodos serán por zonas, me he ido por uno global y sencillo, buscando una foto donde no se trata por zonas, ya que las zonas están previamente preparadas para el contraste figura-fondo como en este caso en que se ha colocado un fondo oscuro.

Trabajé la foto en un tiff de 16 bits, procedente de un revelado de RAW a color, donde se han potenciado la intensidad y el contraste.

Con una capa de ajuste “blanco y negro” se busca el contraste monocromo deseado con los reguladores de color.

Después hago un arreglo del histograma con una capa de ajuste “niveles”, llevando las flechas de ambos extremos hasta los puntos donde comience a existir información, para evitar pérdida de tonos, procurando que abarque los 256 tonos.

Con una capa de ajuste “curvas”, incremento el contraste para esta imagen con una curva en forma de S.

Duplico la foto y le aplico un filtro de “paso alto” con un radio no mayor de 10 pixeles habitualmente (que no llegue a aparecer color) depende del tamaño de imagen y a esta capa la ponemos en modo de fusión “luz suave” bajando su opacidad hasta un 70% aprox.

• Blanco y Negro, por Jaime Mu.

Toqueteo el RAW original en ACR hasta que el histograma esté correcto y paso al PS. Duplico la capa y la paso a modo de fusión como LUZ FUERTE + Filtro paso alto con cantidad #3 para ganar detalle. Duplico de nuevo y esta vez en modo de fusión Luz suave

con objeto de aumentar contraste. Creo máscara y aplico el efecto solo sobre el agua. Dos nuevas capas de ajuste de niveles sobre el cielo y sobre la tierra. Añado una capa de ajuste ByN variando los valores de cada color hasta conseguir lo deseado.

Agrego una capa de curvas para realizar el virado actuando sobre los canales R, V y Az. Subo un poco el rojo en luces y lo bajo en sombras, manteniendo el azul en luces y lo subo en sombras; el verde no lo toco. Y esto es todo, amigos.

• Blanco y Negro, según cuenta Juanangelr.

Habitualmente el procesado de mis imágenes en B&N es totalmente manual y nunca llevo un orden preestablecido. Sigo mi instinto dependiendo de la escena que vaya a procesar y también influye el estado de ánimo en que me encuentre.

Todo el proceso lo hago con PS, pero suelo utilizar los “presets” de Lightroom para hacerme una idea de por dónde pueden ir los tiros.

El método que utilizo es bien sencillo; primero voy a imagen-ajustes-bn, aquí muevo los deslizadores hasta que me gusta cómo queda al imagen. Siguiente paso; creo una capa de ajuste de niveles o una capa de ajustes de corrección selectiva (en esta toco los blancos y los negros). Para ir finalizando duplico la capa de fondo y con un pincel pinto las zonas en modo luz intensa con opacidad casi siempre menor de diez de blanco o de negro hasta que consigo un resultado satisfactorio. Con una máscara de capa corrijo dónde me haya pasado o no me haya quedado un trabajo fino.

Guardo la imagen y si quiero virarla empiezo de cero. Me gusta mezclar dos o tres tonos, también dependiendo de lo que quiera transmitir; calidez, frialdad, etc. Me gusta superponer dos o tres capas encima de la original. Por ejemplo: si se trata de una marina y quiero mezcla sepia-azul en la primera capa voy a imagen-ajustes-tono/saturación activo la casilla de colorear y elijo los siguientes valores tono- (0) saturación- (-6) luminosidad (0). En la siguiente capa de nuevo voy a imagen-ajustes-tono/saturación,

casilla colorear y elijo tono- (200) saturación (-8) luminosidad- (0). En ésta última capa (previamente con una máscara de capa) voy descubriendo con un pincel las zonas de roca o partes de tierra que me interesen de la fotografía. Posteriormente juego con la opacidad de las dos capas hasta que consigo el efecto deseado. En menor número de ocasiones utilizo tonos verdes.

• Blanco y Negro, por Oveja Negra.

Mi trabajo es muy simple, y aunque suelo hacerlo de distintas maneras, hoy elegí el ajuste “blanco y negro” en Ps, y después hacer ajustes de niveles en general y por zonas.

• Blanco y Negro, by Quicopedro.

El primer paso es seleccionar una imagen que se preste a ser presentada en bn. Es necesario que esté perfectamente expuesta y capturada en color preferiblemente en formato Raw.

Procuro hacer todos los retoques posibles con el Camera Raw para lo que sigo el minitutorial sacado del taller del 5º Congreso Caborian. Paso a BN con Photoshop, mediante Imagen/ Ajustes/ Blanco y negro.

Este método te permite deslizar las barras de los seis colores a nuestro criterio hasta conseguir lo que queremos. Luego si es necesario se tocan otra vez las curvas para darle contraste adecuado.

Una vez que la imagen está en byn y bien de niveles/curvas le aplico un virado suave según el motivo. Con el programa tonehacker se puede capturar algún virado que nos guste de otras fotografías, yo tengo varias acciones para distintos virados. Para terminar con Ajustes – Tono/saturación se puede modificar todavía más el virado para darle el toque final.

• Blanco y Negro, según Wiggin.

Desde el CS3 sólo uso la capa de blanco y negro. En ocasiones, en lugar de una capa pongo dos con máscaras. En la imagen puse una capa de b/n con filtro rojo de alto contraste para el cielo, y una capa de b/n con otro ajuste para el resto. En este caso además, al tener muy poco color la parte de abajo no cambia demasiado.

También a veces pongo por debajo de las capas de b/n una de tono y saturación. Saturando más o menos se consigue que el efecto del filtro (rojo en este caso) sea mayor o menor.

• Blanco y Negro, por Jansbd.

Revelo con ACR + PS, y la mayoría de las ocasiones lo hago en color. Parto de diferentes versiones del Raw como si se tratase de un objeto inteligente, para ir dando el tono y contraste deseado, variando la temperatura de color, la exposición, la saturación, el tinte o la inclinación de las curvas. Estas versiones se van sucediendo en las zonas acordadas, que he creado previamente y guardado en “canales”, como: suelo + pared+ copa + hojas.

Selecciono la capa en cuestión y suprimo lo que no interesa dejando visible el último ajuste del Raw incorporado.

Estas zonas, me sirven para ir traduciendo el color a byn que realizo en PS con ajustes de blanco y negro. Añado diferentes virados (en este caso, filtro de color) según la disposición y característica de la zona.

Añado un pequeño flú-flú, y termino aplicando un ajuste de niveles y enfoque según “Mellado” dependiendo de su tamaño y destino, si web o papel.

• Blanco y Negro, según elabel.

Utilizo este método en imágenes que tienen zonas amplias marcadas por colores concretos. Después de ajustar en el Raw, hago una selección de una de las zonas y aplico una capa de blanco y negro. Escojo en el desplegable que he marcado en rojo uno de los filtros que ofrece (filtro azul, verde, amarillo, infrarrojo,…) fijándome exclusivamente en el contraste que ofrece en la zona que he seleccionado. Una vez escogido, duplico esa capa de b&n e invierto la selección de la máscara de capa (Ctrl+I) para que afecte a la otra zona de la foto, y busco en el desplegable el filtro pre-configurado que más me gusta. Muevo los deslizadores de los colores en cada capa para terminar de aclarar/oscurecer de forma personalizada. Y aplico ajustes de niveles y/o curvas con el fin de contrastar.

• Blanco y Negro, según Blanco.

Básicamente el orden que sigo es: Desaturar en Raw o Convertir a BN en Photoshop, luego tratamiento por zonas.

En este caso opté por convertir a BN en PS debido a la gran cantidad de colores que tenía la imagen inicial, lo que me permitía jugar con la saturación de los colores a la hora de la conversión y después procesado por zonas para sacar más texturas, niveles de grises y contraste a la toma.

Los datos Exif: Panasonic LX3 + 1/50 s +  f 2,2 + ISO 800

• Color LAB en PS, por Acontragolpe.

Contrasto un pelín en el Adobe ACR y paso a TIF 16 bits. Ya en el Photoshop paso a color LAB y luego a escala de grises. Paso a seleccionar zonas con diferentes calados (zona nubes, islas, cielo, mar…). Si la zona a seleccionar tiene bordes definidos los calados son de pocos píxeles (de 1 a 3). Si no hay un borde definido puedo llegar a hacer calados de hasta 100 píxeles. En cada selección lo que hago es ajustar niveles. Y punto pelota. Ni máscaras, ni capas, ni complicadas fusiones. Esto es todo.

• Canales R, G, B, en PS por Buenagana.

No proceso por zonas, utilizo bastante los canales R-G-B tanto en la capa como en la máscara, y uso el modo trama, luz suave y superponer como fundamentos para contrastar y no empastar. El uso de los canales R-G-B depende totalmente de cómo se comporten según la base, observando y decidiendo usar uno u otro canal según lo que nos interese potenciar.

• Canales R, G, B, según Frivera.

No es un método que yo use con frecuencia, pero a veces puede venir bien para esas imágenes tan blanquitas.

Abrimos con PS la foto que queremos convertir a b&n. Observamos que está en formato RGB con sus 3 canales.

Seleccionamos el canal más adecuado para la conversión a b&n. Vamos a Imagen/Modo/Escala de grises.

Hacemos la conversión, eliminando los canales que no interesan; en este caso, rojo y azul. De esta forma, tenemos una imagen en b&n con un solo canal.

Ahora volvemos a Imagen/ Modo/ RGB, tras lo cual disponemos de la imagen en b&n, con sus tres canales y dispuesta para ser procesada.

Dinfunde

Durante las excelentes clases que impartió Zack Arias en el CreativeLive - que ya os comentamos en Caborian y que podeis adquirir aquí - efectuó una comparativa del efecto de los diversos modificadores de los flashes.

Durante este ejercicio situó una modelo y un único flash y efectuó una foto con múltiples modificares, un softbox, paraguas, grids, octabank, etc. En la mayoría de los casos realizó una foto con el flash en la misma posición y otra modificando la posición en función de lo que consideraba más apropiado para el modificador que se trate.

En su blog ha colgado las fotos finales, en las que va comentando las diferencias – o ausencia de ellas- que cada modificador tiene sobre la modelo y el fondo, y nos anima a que efectuemos estas pruebas con los modificadores de los que disponemos cada uno de nosotros.

Conoce tu equipo. Familiarízate con el efecto que puedes conseguir y entonces no solo estarás preparado para adquirir un modificador nuevo, sino que sabrás porqué lo necesitas.

Publicado por Chano Reus – Goldenblatt

Dinfunde

Gracias a Microsiervos, hemos descubierto en Nocturna, la web de Carlos Serrano, un estupendo Curso On-Line de Fotografía Nocturna. Por fotografía nocturna entendemos fotografía entre el ocaso y el orto, con luz de luna o luz artificial, y luz crepuscular en los extremos del día, y esa es en si misma la primera lección, porque el equipo y la técnica para cada una de esas situaciones a veces es muy diferente. También aprenderemos más cosas interesantes de astronomía, factores meteorológicos y de la técnica fotográfica -empezando por lo más básico para acabar con técnicas especiales de iluminación con flashes o linternas-, para esta disciplina en la que no es fácil iniciarse por uno mismo. Sin duda una gran iniciativa muy de agradecer al autor, así como el permiso para publicar esta anotación. El índice completo del curso es el siguiente:

1. PRESENTACIÓN – INTRODUCCIÓN
2. MATERIAL BÁSICO
3. CONOCIMIENTOS PREVIOS
4. NOCIONES DE ASTRONOMIA
5. FACTORES METEOROLOGICOS
6. TÉCNICA BÁSICA – COMPOSICION

6.1. TÉCNICA BÁSICA – DIAFRAGMA
6.2. TÉCNICA BÁSICA – VELOCIDAD
6.3. TÉCNICA BÁSICA – LONG.FOCAL
6.4. TÉCNICA BÁSICA – SENSIBILIDAD
6.5. TÉCNICA BÁSICA – EXPOSICIÓN
6.6. TÉCNICA BÁSICA – ENFOQUE
6.7. TÉCNICA BÁSICA – TEMP. DE COLOR

7. PROBLEMAS COMUNES – RUIDO

7.1. PROBLEMAS COMUNES – COLOR

8. PROCESADO Y RETOQUE
9. METODO DE CAMPO
10. PREPARAR UNA SESION
11. INTRODUCCION A LA ILUMINACION

Por Félix Sánchez-Tembleque (wiggin)

Dinfunde